ART GOSSIPS

I Festival Miradas de Mujeres

2012-03-04T15:32:00.001+01:00

El mismo día en que se celebrará el Día Internacional de la Mujer (8 de marzo), se inaugurará oficialmente el I Festival Miradas de Mujeres en el Auditorio Sabatini del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Dicho evento, organizado por la asociación Mujeres en Artes Visuales (MAV), tiene el propósito de:

“(…) potenciar y dar visibilidad al papel fundamental que tiene la mujer dentro de todos los ámbitos profesionales de las artes visuales, desde la creación al comisariado, la crítica, la investigación y la gestión.”

Como se puede leer en la página web de este festival, sus objetivos principales son cuatro:

1. Destacar a gran escala la aportación de las mujeres al mundo del arte.

2. Activar el compromiso de las distintas instituciones, asociaciones, galeristas y agentes artísticos para la promoción equitativa del trabajo de las artistas y la producción crítica y reflexiva de las teóricas y pensadoras.

3. Visibilizar aquellas instituciones y espacios culturales colaboradores, que ya son conscientes de la necesidad de unas artes visuales equitativas y no discriminatorias en lo relativo al género.

4. Dar a conocer al público especializado y general, cual es la dimensión real del trabajo realizado por las mujeres en todos los ámbitos del arte.

Para cumplir dichos objetivos, los organizadores de este evento han realizado un amplio programa de exposiciones, conferencias, seminarios, ciclos de videoarte y cine que abarcaran la agenda de todo el mes de marzo.

Para aquellos que estéis interesados en asistir a alguna de las actividades de este festival, podéis descargar tanto el programa de exposiciones como el programa de ciclos y seminarios pinchando AQUI. También podéis encontrar más información en el catálogo del evento, que se puede ver online pinchando AQUI.

Entrevista a .... Paupac Azul

2012-02-29T13:08:00.007+01:00

Paupac Azul es un colectivo artístico formado por Paula Susaeta y Paco Trinidad. Ambos realizan obras audiovisuales que publican en su página web y organizan acciones artísticas en espacios físicos como pizzerías, bares o peluquerías.

Hace ya unas semanas, publique un post sobre una intervención artística organizada por este colectivo en la peluquería CORTA CABEZA. Para publicitar un poco más su trabajo, no he querido dejar de pasar la oportunidad de entrevistar a los dos componentes que forman Paupac Azul, Paula y Paco. Espero que os guste!

Paupac Azul

Qué buen momento para un autorretrato.

Febrero, 2012

Para empezar y ponernos en situación, contarnos un poco quienes sois, de donde venís y cuando empezasteis a interesaros por el arte.

Paula: nací en Madrid y he tenido la suerte de vivir fuera. La literatura siempre ha formado parte de mi vida pero creo que el arte entró a lo grande cuando vivía en Nueva York de niña y descubrí el MoMA. Empecé a devorar biografias de artistas. Hasta hoy.

Paco: antes me dedicaba un poco a la música. Desde hace 11 años soy de Paula.

¿Cuando y por qué decidisteis colaborar juntos y crear Paupac Azul?

Paula: Paupac azul nace hace casi 11 años. Primero tuvimos el nombre y luego decidimos qué hacer con ello. Comenzamos porque no podíamos hacer otra cosa. Se trata de contar historias, tener un punto de vista sobre el mundo: nunca entregar ni la imaginación ni la rabia.

Paco: hace 11 años decidimos que debíamos entregarnos a nuestras percepciones en lugar de ahogarlas. Luego vino el nombre. O viceversa.

Tengo mucha curiosidad por el nombre que habéis elegido: ¿qué significa Paupac Azul y de donde viene el término?

Paula: hay un lago en EEUU que se llama paupac. Paupac azul es un raro pájaro de color incierto pero azul muchas veces. Tiene un punto tropical.

Paco: utopia. De los sueños de los paseantes.

En vuestra página web presentías todos vuestros trabajos audio-visuales. Aun así, en un principio comenzasteis creando solo piezas sonoras. Fue solo tiempo después cuando incorporasteis la imagen a vuestras obras. ¿Qué importancia creéis que tienen el sonido y la imagen en la actualidad?

Paula: estamos en la época de la imagen. El sonido y la palabra deben pelear su hueco ... exigen más esfuerzo y eso escuece. Paupac azul comenzó a tener imagen porque lo necesitaba.

Paco: tienen demasiada importancia. Hay legiones de creativos con herramientas muy accesibles, fáciles de usar y que permiten resultados inimaginables hace 11 años. Pero ser creativo no es lo mismo que ser creador. La diferencia es el argumento, el guión.

¿Qué queréis transmitir o contar con vuestros proyectos audio-visuales?

Paula: tener una mirada sobre el mundo. Incidir, analizar, contar historias. Compartir esa mirada. Advertir y despertar si tenemos nuestro mejor día.

Paco: que Paula tiene una mirada sobre el mundo. Que incide, analiza y cuenta historias, guiones.

A parte de crear obras con sonido e imagen, también realizáis intervenciones y acciones en espacios que están poco acostumbrados a albergar arte. Por ejemplo, habéis creado “exposiciones artísticas” en pizzerías, peluquerías o cafeterías. ¿Por qué elegís estos espacios tan apartados del circuito artístico tradicional?

Paula: hacemos como los chefs con sus ingredientes: cocina de proximidad. Jugar a disfrazar y transformar espacios llenos de sentido que puede hasta estorbar es un reto divertido. Transformar un cubo nada blanco, hacerlo de modo efímero además. Trabajar con amigos y cerca facilita lo imprescindible pero enojoso, y permite concentrarse en lo importante. Además es nuestro barrio, y así se viste de colores.

Paco: la relacion entre el arte y el gremio de la hosteleria viene de largo pero siempre ha sido de forma univoca: exposición-canapé. Nosotros queríamos profundizar en el concepto canapé-exposición. Por otro lado son espacios cerca de casa.

¿Qué pretendéis mostrar con estas acciones?

Paula: que se puede. Que las cosas hay que hacerlas, intentarlas.

Paco: la generosidad de los amigos.

¿Hay algún proyecto que hayáis hecho desde el comienzo de Paupac Azul del que os sintáis especialmente orgullosos?

Paula: la palabra orgullo creo que no encaja con lo que hacemos. El último paupac es siempre el más mirado hasta que comenzamos con el siguiente.

Paco: primero te emocionas, luego tienes nauseas, luego te cambia todas las rutinas, luego sueñas en como será de mayor, luego te patea el vientre, luego sufres en el parto. Y luego miras al proyecto a los ojos y lo das en adopción. Una y otra vez. No tenemos tiempo para sentirnos orgullosos de nada.

Paupac Azul

#21Aeropuertos Still n.1

Enero, 2012

¿En qué proyecto(s) estáis trabajando ahora?

Paula: tenemos ya en cocina los tres siguientes paupacs, #22Temple, #23Buenos días y #24Mi casa y sus correlativos en inglés. En Temple repite nuestra amiga y actriz Sabrina Praga, en Buenos días aparece Rodrigo Taramona, amigo, escritor y DJ y en Mi casa la imagen es el también gran amigo Luis Auserón. Tenemos suerte. Estamos rodeados de gente con talento.

Además, el 17 de mayo montamos una expo pop up en La carta de Vinos (C/ Fernando el Santo 21) la mas efímera: de 21.00 a 24.00h, de nuevo con Nicolás Villamizar. Luego desaparecemos otra vez.

Paco: estar desaparecidos el 18 de Mayo a las 00:01h

Por otro lado, ya que vivís y trabajáis en Madrid, nos gustaría saber cual es vuestra opinión sobre el panorama artístico en esta ciudad y, en general, nuestro país.

Paula: me cuesta salir a mirar en concreto. Me gusta pasear y leer, el cine en casa. Pero si consigo salir me gusta ir a Moriarty, Juana de Aizpuru y Oliva Arauna además de Maisterravalvuena. Pero soy muy crítica: me parece un trabajo titánico en que hacen los galeristas en un pais sin tradicion coleccionista, son como caballeros andantes. Nos falta la revolución industrial y la burguesa, nos la perdimos, desde ahí, suma!! Odio sentir que me aburro, que veo cosas ya vistas. Y no te voy a mentir, me ocurre.

Paco: bien, está muy bien.

En relación con las nuevas tecnologías, parece que vuestra página web no es solo un medio para difundir vuestros trabajos, sino que también es una obra de arte en si misma que cuidáis con esmero. ¿Por qué decidisteis utilizar Internet cómo medio de expresión y difusión?

Paula: con Paupac Azul todo ha sido muy natural, una evolución que ha ido pidiendo pasos, casi me suena falso decirlo así pero es real. Comenzamos con la propagacion viral enviando a los amigos los paupacs de audio por email. Luego llegó la necesidad de la web, y también de manera clara: la web es un fin en sí mismo para mostrar, y queríamos que fuera sencilla y distintiva.

Paco: el uso de Internet es casi inevitable por la conectividad. A partir de esa decisión comenzamos a explorar las posibilidades del medio y nuestra capacidad para explotarlas.

¿Qué ventajas y desventajas creéis que ofrecen las nuevas tecnologías y las redes sociales a la hora de promocionar, enseñar y divulgar?

Paula: ventajas todas, son nuevos canales, y creo que se diferencian mucho unos de otros, eso me gusta. Por ejemplo, nosotros usamos twitter porque encaja en lo que pretendemos, pero facebook no nos resulta interesante ni siquiera a nivel personal. Todo no es igual, y hay más que un simple causa/efecto.

Las desventajas vienen por otro lado, vienen de la conciencia que se ha establecido de que lo que va por la red debe ser gratuito y que debe ser accesible porque sí. La idea del gratis total y la pulsión acumuladora del ser humano no me inspira nada positivo.

Paco: no tienen desventajas. Pero solo tienen ventajas reales para aquellos que controlan los medios economicos necesarios para promocionar, enseñar o divulgar. Y solo lo haran cuando tengan prevision de beneficios

Paupac Azul

#19 FUN Still n.1

Octubre, 2011

Para terminar, contestarnos rápidamente a las siguientes preguntas:
UN LIBRO

Paula: esto es complícadísimo, déjame darte 2. Suave es la noche de Scott Fitgerald y Lo real de Belen Gopegui.

Paco: uno bueno leido últimamente será lo mejor: Los Cuentos de Leonard Michaels

UNA PELICULA

Paula: otra vez dos. En un lugar solitario de Nicholas Ray, protagonizada por Humphrey Bogart y la serie The Wire, el mejor cine de los últimos 15 años.

Paco: The Wire, Capitulo 3, temporada 4 - guión de Richard Price.

UNA CANCION

Paula: That´s Life, de Frank Sinatra

Paco: Ashes to Ashes, de David Bowie.

UN ARTISTA

Paula: una fotografía de William Christenberry siempre nos dice más, una coreografía de William Forsythe.

Paco: Dan Flavin, Frank Lloyd Wright

UN ESPACIO ARTISTICO (museo, institución, galería..)

Paula: Jack Shainman Gallery, NY.

Paco: me han dicho que el Prado está bien.

UN PROYECTO CULTURAL

Paula y Paco: hay uno. Uno real, de verdad: "TED. Ideas worth spreading".

Twitteros y blogueros opinan sobre ARCO 2012

2012-02-26T22:10:00.007+01:00

Para conocer diversas opiniones sobre ARCO 2012, decidí pedir a diferentes twitteros y blogueros que respondieran a una serie de preguntas sobre la feria. Montaña Hurtado (@zapatosrosas), Laura Cano (@Via_di_uscita), Anna Roca (@Txusks), Nati Guil Grund (@musas20) y Miki Gázquez (@MikiGazquez) han colaborado y amablemente han respondido a un breve cuestionario. Con sus respuestas quería hacer un artículo más largo sobre la feria pero, desgraciadamente, la falta de tiempo no me ha permitido trabajar mucho en el tema. Sin embargo, creo que sus opiniones son muy interesantes por lo que os las presento aquí para que las disfrutéis una semana después de que ARCO cerrará sus puertas.

Pregunta # 1: ¿qué es lo que más os gusta de asistir a una feria como visitante?

Laura: ARCO 2012 ha sido la primera feria a la que yo he ido y pienso que tiene cosas buenas el asistir a un evento como este sin ser conocido. Puedes visitar los stands con toda la calma y sin tener que ceñirte a compromisos. Eso da una libertad de recorridos, de elección y de crítica que hace que disfrutes de verdad la feria. Además, me gusta, no solo ver y disfrutar de lo expuesto, sino también observar los diferentes roles que hay en un evento de este tipo: el galerista, el comprador, el comisario...

Montaña: en mi caso, me gusta poder pasear y curiosear por los stands y, sobre todo, averiguar los precios de algunas obras que me interesan. No me lo tomo como una visita a una exposición con obras de gran calidad, sino como algo divertido para ver cómo se mueve el mercado del arte.

Anna: en una feria, sea del sector que sea, se presentan (en teoría) las novedades y últimas tendencias. Yo creo que el asistir como visitante permite estar al corriente de todos estos últimos avances de primera mano, no dependiendo de los artículos y opiniones publicadas por otros.

Nati: yo también pienso que el hecho de asistir a una feria de este tipo es conocer de primera mano las propuestas de las galerías del arte contemporáneo. Durante la visita, puedes ver galerías obras que, por motivos geográficos, no has visitado o conoces poco.

Miki: a mi me gusta la posibilidad de ver lo mejor de cada empresa u organización. Por norma, tratan de mostrar sus mejores galas en productos o artistas como reclamo de su negocio. Lo innovador, lo polémico, lo bueno, lo distinto... siempre desde el punto de vista del que lo ofrece.

Pregunta # 2: ¿qué es lo que menos os gusta?

Nati: me parece que las ferias están muy masificadas y que no ofrecen mucha información in situ sobre las obras de los artistas o, incluso, sobre las propias galerías a no ser que te compres el catálogo.

Anna: yo pienso que, cuando asistes a una feria simplemente como visitante, puede ser que no recibas tanta atención (incluso que no seas tomado tan en serio) como en una tienda, galería, institución, etc.… al ser un evento enfocado a la gente que ya forma parte del sector.

Laura: lo que menos me gusta es corroborar lo cerrado que es el sistema del arte y la dificultad que tienen los artistas emergentes y profesionales del sistema sin apoyos para acceder a él.

Montaña: yo, como ya he dicho, no me espero encontrar obras que hayan sido seleccionadas por nivel o calidad artística. Lo que prima en general es la salida comercial. Echo de menos más reivindicación y compromiso por parte de las galerías.

Pregunta # 3: ¿qué os ha parecido, en líneas generales, esta edición de ARCO?

Miki: en mi opinión, esta edición me ha gustado más que otras ocasiones. No estoy de acuerdo con algunos temas de la organización, como en el tema de la reentrada, pero en contraposición no he visto que existiera congestión para acceder al recinto, como pasaba en otras ediciones.

Anna: supongo que justificado por la situación económica global que vivimos, esta edición me ha parecido extremadamente conservadora. A mi parecer, había muy pocas propuestas que supusieran una novedad o que implicaran un poco de riesgo (incluso lo definido en la prensa como "polémico" era tan solo una leve y fácil provocación). Se ha visto mucha pintura expresionista, trabajo sobre espejos, algo de escultura fácil de asumir… En esta edición de la feria quedaba estrictamente claro que la función última de la feria era la venta de obras y se ha apostado por propuestas fáciles.

Montaña: llevaba varios años sin asistir a ARCO y también he notado que las galerías arriesgan cada vez menos en sus stands. Este año he visto menos instalación o videoarte que en otras ediciones.

Nati: la verdad es que se ha notado la disminución de galerías y, como las demás, creo que las propuestas de éstas han sido mucho más “sobrias” aunque ya el año pasado se veía esa tendencia. Parece que la crisis ha hecho que las galerías apuesten por obras más sobrias para poder captar un mayor número de vendedores. He visto mucha pintura en detrimento del videoarte o de las instalaciones, mucho realismo y una apuesta muy clara por clásicos contemporáneos y vanguardias históricas. He echado de menos también la presencia de galerías de América Latina: una pena, porque creo que traen cosas bastantes interesantes, parece que la apuesta europea es más clara.

Pregunta # 4: ¿qué nota pondríais a esta edición del 1 al 10 (siendo 10 la nota más alta)?

Pregunta # 5: ¿qué stand(s) os ha gustado más este año?

Anna: ninguno en especial. Varias galerías tenían alguna obra destacable, pero la carencia de discursos expositivos ha sido la tónica general. Por ello, resulta difícil destacar algún stand.

Miki: Helga de Alvear y Casa sin fin... sin comentarios... sólo impresionantes.

Montaña: yo destacaría el stand de Casa sin fin, una galería de Cáceres que se estrenaba este año en la feria y ha terminado con gran éxito de ventas.

Nati: quizás por la novedad, me ha parecido muy interesante la iniciativa del periódico de El País. En su stand, se ha podido ver el trabajo de artistas como Suso33, Sixeart, Spok, 3ttman, Neko y Nuria Mora, miembros del movimiento posgrafitti. Además, se ha podido ver en directo a los artistas trabajando.

Laura: me gustó bastante el stand de Juana de Aizpuru (como no), la galería El Museo de Bogotá (Colombia), la galería Carles Taché de Barcelona, la de Javier López y Mario Sequeira y, también, el espacio de La Fábrica de Madrid.

Pegunta # 6: ¿qué arista(s) u obra(s) presentados en la feria destacaríais?

Montaña: destacaría a Neko y a Juan Francisco Casas.

Nati: pues yo voy a destacar la obra “Minimal Secret" de la artista Voluspa Jarpa sobre la memoria histórica en Chile en la galería Isabel Animat (Santiago de Chile). También la fotografía digital y collage del colectivo de artistas rusos AES+F, que han expuesto obras como “Allegoria Sacra” o “Melancholy”.

Laura: yo elegiría sin duda la obra "Carroña" de Javier Pérez o el trabajo del artista cubano Jorge Mayet. También destacaría creadores que conozco personalmente como Santiago Ydáñez, Javi Calleja, Daniel Canogar o J. Martin. Y como no, grandes clásicos como Bacon, Opie, Scully, Marina Abramovic, R. Mappelthorpe, etc.

Miki: yo me decantaría por Juan Francisco Casas y F. Bacon.

Anna: y yo por varios artistas como los siguientes

Pavel Büchler (Max Wigram y Tanya Leighton)

Bong Chae Son (Michael Schultz Gallery)

Muntean / Rosenblum (Georg Kargl Fine Arts)

Jorge Mayet (Horrach Moyà)

Ed Templeton (Roberts & Tilton y Tim Van Laere)

Pia Fries (Mai 36 Galerie y Distrito 4)

Andrea Canepa (Rosa.Santos)

Jaume Plensa (Pilar Serra, Polígrafa Obra Gráfica, Altxerri, Chelouche y Lelong)

Desiree Dolron (GRIMM)

Pilar Beltrán (Cànem)

Mar Arza (Cànem)

Max Neumann (Stefan Röpke y Georg Nothelfer)

Rochelle Costi (Luciana Brito)

Rosana Schoijett (Zavaleta Lab)

Cecilia Paredes (Xavier Fiol)

Fernando Gutiérrez (Espacio Líquido)

Julia Spínola (Tatjana Pieters y Heinrich Ehrhardt)

Anna Barham (Arcade)

Alfonso Batalla (Vanguardia)

Alexandre Arrechea (Casado Santapau)

Alastair Levy (Post Box Gallery)

AES + F (Guelman y Triumph Gallery)

Pregunta # 7: ¿creéis que la feria de ARCO es una de las más importantes a nivel mundial o es más localista?

Nati: ARCO tiene una gran trayectoria, y no podemos olvidar que ha celebrado su 31 edición. Es un certamen conocido como Art Basel, la FIAC de París. Pero creo que en los últimos años ha ido perdiendo fuerza respecto a las otras ferias.

Laura: yo no creo que sea tan importante a nivel mundial, quizá sí en el entorno europeo. Por supuesto, es la más importante en nuestro país.

Miki: yo pienso que tiene su importancia y cada día mas. España ya es de los países mas importante a nivel mundial por si misma y por la calidad de nuestros artistas… ¿por qué no va a serlo Arco?

Pregunta # 8: por último, ¿cómo veis el panorama artístico en España respecto a otros países?

Anna: los artistas españoles presentan obras de una gran calidad artística. Sin embargo, el sistema, las instituciones o el apoyo de la administración entre otros factores no es suficiente como para que la creatividad de estos artistas pueda desarrollarse del mismo modo que puede hacerse en otros países. Por ello, la mayoría de artistas españoles destacados trabajan desde otros países.

Montaña: en mi opinión, creo que falla la proyección del arte español en el exterior y que en el propio sector creamos que no es necesario que un artista español se vaya a vivir fuera de nuestro país para empezar a valorarlo.

Laura: para mí, el panorama artístico nacional es bastante cerrado, más en estos momentos de crisis. A mí parecer, las galerías deberían abrirse más y apostar por el arte nuevo y de calidad que se está haciendo aquí. De todos modos, entiendo que es un negocio y como tal, el riesgo significa dinero. Por otro lado, creo que la gente en general está interesada en el arte contemporáneo, y no sólo coleccionistas o profesionales. Era fantástico ver a personas de todas las edades disfrutando de la feria. Quizá nos debemos plantear si lo que falla es el acceso al arte (40 euros de entrada no están al alcance de todos).

Miki: yo pienso que tenemos grandes artistas y gran calidad, aunque también hay mucha "paja" y personas que se autodenominan artistas aunque hacen manualidades de calidad más o menos regular. Quiero terminar (si me lo permites) diciendo que independientemente de la calidad de la obra la denominación "Artista” se forja con varios factores y uno de ellos es el de la opinión social. Nosotros, los creativos, no podemos ni debemos auto denominarnos.

Los posters del diseñador Michael Gleen

2012-02-25T19:40:00.001+01:00

Gracias al blog de diseño y comunicación No me toques las helvéticas, he conocido el trabajo de Michael Gleen, un diseñador gráfico reconocido por sus series de pósters en los refleja diversos temas. Entre sus series más famosas, podemos destacar algunas como Framework, en el cual plasma las gafas de numerosos famosos; Esembles, que refleja la ropa más característica de estrellas de la música; o Mixed Reviews, en el cual se muestra diferentes tipos de cocktails y bebidas. Para que conozcáis estos trabajos, os muestro aquí una serie de fotos:

# Framework

# Esembles

# Mixed Reviews

Su último proyecto se llama Touristique, una serie de posters con los cuales se muestran los puntos turísticos más importantes de las siguientes cinco ciudades: Nueva York, Londres, Paris, Amsterdam y Toronto. Para crear dichos posters, Gleen ha utilizado un estilo simple pero muy retro que cautiva a todo aquel que los mira.

Londres

New York

Paris

Amsterdam

Toronto

Si os ha gustado el trabajo de Gleen, os aconsejo que visiteis su página web, donde podeis ver todas sus obras y comprar sus posters.

Obras expuestas en Arco 2012

2012-02-22T23:25:00.003+01:00

Ayer publique un post con el cual intente recordar algunas noticias y entrevistas que aparecieron durante la celebración de la feria Arco 2012. Hoy quiero presentar un recorrido por la feria algo más personal: os presento algunas de las obras expuestas en Arco que más me gustaron. Por cuestión de espacio, os presento solo una pequeña selección de trabajos aunque había bastantes piezas más que me hicieron mucha gracia.... Espero vuestras opiniones!

# Juan Francisco Casas

# Javier Garcerá

# Jorge Mayet

# Roland Fischer

# Oscar Muñoz

# Cornelia Parker

# Hans-Peter Feldmann

# Cevdet Erek

# Daniel Canogar

# Alexander Calder

# Manolo Valdes

# Jaume Plensa

Recordando... Arco 2012

2012-02-21T14:16:00.008+01:00

Tras una semana muy intensa con todo el arte que se ha expuesto en Madrid, me ha parecido una buena idea recordar la edición de ARCO 2012 a través de las noticias y entrevistas más curiosas.

# 1: Entrevistas con Carlos Urroz

Una de las figuras fundamentales de la feria es su director, Carlos Urroz. Este año ha tenido que responder a numerosas preguntas antes y durante ARCO y, a pesar de que varias entrevistas han sido muy interesantes, aquí os dejo solo una pequeña selección de videoentrevistas para que disfrutéis.

Entrevista para hoyesarte

Entrevista para elpais.com

# 2: Inauguración por los príncipes.

La feria abrió sus puertas el pasado miércoles solo para los profesionales. Sin embargo, los Príncipes de Asturias decidieron darse una vuelta el jueves para inaugurar oficialmente la feria y ver lo que encontraban por ahí. Aun así, da la sensación de que pudieron disfrutar poco de las galerías con la gran cantidad de periodistas, guardaespaldas, políticos y demás personas y parasitos que les rodeaban.

Podéis ver su visita o bien pinchando AQUI o bien viendo el siguiente video:

Revistadearte.com

# 3: País invitado.

Países Bajos ha sido el país invitado de honor en la feria. De hecho, catorce galerías neerlandesas han podido mostrar parte de sus programas expositivos en la sección Focus Países Bajos. Gracias a ello, las galerías del norte de Europa han podido difundir en España la creación contemporánea holandesa y promover la presencia de los agentes más relevantes de su coleccionismo, comisarado y critica.

Para ayudarnos a comprender la escena artistica holandesa, el comisario Roland Groenenboom escribió un artículo publicado en El Cultural el pasado día 15 de febrero llamado Holanda, reinventarse para sobrevivir. Si no lo habéis leído, os lo recomiendo.

# 4: Galerías jóvenes en la sección Opening.

Aparte de un gran número de galerías provenientes de los Países Bajos, los visitantes han podido disfrutar también de la sección Opening. En ella, se han presentado 25 galerías europeas con menos de siete años de vida procedentes de 10 países distintos.

Para disfrutar y aprender de esta sección, os recomiendo leer el artículo Apertura de Arco publicado por Elena Vozmediano el pasado 14 de febrero en su blog Y tu que lo veas en el cual proponía un recorrido virtual por las galerías de esta sección.

# 5: Polémicas.

Durante los días en los que se ha celebrado la feria ARCO, hemos podido disfrutar de varias polémicas.

En primer lugar, la Fundación Francisco Franco ha denunciado al artista Eugenio Merino por la escultura Always Franco, de la que existen tres copias valoradas en 30.000 euros cada una. Dicha obra, que fue expuesta en el stand de la galería barcelonesa ADN, muestra una figura del dictador metida en una nevera frigorifica de Coca Cola. Según se puede leer en un artículo publicado en El País, dicha pieza fue realizada de la siguiente forma:

"Para congelar al dictador en un frigorífico de coca-cola Merino empezó con la escultura de poliéster, resinas, pelo humano y ojos de cristal el verano pasado. Un diseñador de efectos especiales le había enseñado a mejorar esa técnica hacía años. Y al mundo del cine volvió a recurrir Merino para el traje a medida de Franco. Eso sí, según declaraba el propio artista a este periódico, “la gorra fue lo más difícil."

Con este trabajo, el artista pretendía mostrar que la figura de Franco sigue siendo noticia. Como él mismo explica:

"Refrigerar a Franco es una forma de mostrar que le tenemos constantemente en la cabeza. Somos un país anclado al pasado y no paramos de hablar de él desde 1975"

La Fundación ha querido echar leña al fuego y que, efectivamente, el dictador siga estando presente en los periódicos. De hecho, ha decidido presentar la demanda porque, según los responsables de la organización, esta pieza ofende la memoria del fallecido dictador. La verdad es que creo que, con esto, lo único que la Fundación ha consiguido es darle más publicidad a la obra.

El artista posando ante su obra

Para leer más información sobre esta obra y esta demanda, podéis ver los siguientes artículos:

Franco, presente....en Arco, El País (13/02/2012)
La Fundación Franco acude a Arco para documentar una denuncia contra el autor de "Always Franco", El Mundo (16/02/2012)
La Fundación Franco demandará al autor de la obra "Always Franco", expuesta en Arco, ABC (16/02/2012)

Por otro lado, también ha habido problemas con unas obras realizadas por Elena Asins, último Premio Nacional de Artes Plásticas. Según esta artista, hace unos años colaboró con la galería donostiarra Altxerri y realizó las pruebas para unos dibujos que no dio por válidos y que ni siquiera firmó. A pesar de que la artista consideró que dichas piezas eran defectuosas, la galería decidió presentarlas en su stand de ARCO 2012 para venderlas por 1.800 euros cada una. La propia artista ya ha dicho sobre el tema:

“No solo están vendiendo obra sin mi autorización, ni firma, que ya es suficientemente grave, sino que ni si quiera me consultaron las obras que llevaban a la feria ni los precios”.

Publicado en un artículo de El País.

La galería se ha querido defender y Juan Ignacio García Velilla, encargado de Altxerri, ha dicho:

“Empezamos a montar esta expedición a Arco con la propia Asins, dentro del programa Solo Projects [en la que un galerista se centra en un solo artista]. Después, ella se echó atrás por razones poco claras; empezó a poner pegas con el color elegido para el stand y cosas así. Finalmente, se negó a participar en este Arco con nosotros. Casualmente, tras haber fichado con su nueva galerista, Helga de Alvear. Yo había prometido al comité que traería Elena Asins, así que busqué piezas de un coleccionista para no faltar a mi palabra con la dirección de Arco. También me vine con seis dibujos de una muestra que produjimos en la galería en 2001”.

Publicado en un artículo de El País.

Sea lo que sea, la verdad es que los dibujos expuestos en el stand de la galería parecen estar firmados con el siguiente texto:

Euskaldun 1 [2, 3, 4, 5 y 6, según avanza la serie]. Elena Asins. Azpiroz, 2001.

A pesar de esta firma, Elena Asins y Altxerri llevan varios días acusandose mutuamente en relación con la autenticidad de las obras: mientras Asins asegura que la firma de los dibujos ha sido falsificada, Juan García Velilla afirma que fueron autentificadas en 2001. Ya veremos cómo acaba esta historia.

Si queréis leer información sobre este caso, os aconsejo los siguientes artículos:

Elena Asins denuncia la venta de una serie de dibujos en Arco, El País (17/02/2012)
Asins y Altxerri se acusan mutuamente por unas obras expuestas en Arco, Diario Vasco (17/02/2012)
Altxerri presentará una demanda contra Elena Asins por calumnias, Diario Vasco (21/02/2012)

# 6: Entrevistas a diversos profesionales durante la feria.

Con la excusa de ARCO, también hemos podido disfrutar de numerosas entrevistas a diversos profesionales del sector artístico y cultural en diversos medios.

Entre todas esas entrevistas, me gustaría hacer una mención especial a las entrevistas que se han publicado en el blog Camila y el arte, que son breves pero muy interesantes. Aquí os dejo los enlaces para que podáis disfrutar de ellas:

Además, podéis disfrutar también de las siguientes videoentrevistas realizadas por Hoyesarte.es a diversos profesionales:

Entrevista a Manuel Borja-Villel (director MNCARS)

Descripción: el Director del Museo Reina Sofía hace balance de la edición de ARCOmadrid 2012 y nos cuenta cuáles son las obras que ha adquirido el museo por valor de más de 700.000€.

Entrevista a Elisa Hernando

(directora de la Consultora Arte Global)

Descripción: Elisa Hernando nos cuenta cuál es la labor de Arte Global en la feria, poniendo en contacto a compradores y galeristas. También nos explica las novedades y mejoras de este servicio en la presente edición.

Entrevista al creador Adriá Juliá

Descripción: Adrià Julià cuenta en qué consiste el trabajo que ha presentado en esta edición de ARCO y cuál es la labor que está desempeñando en Holanda. También nos resume sus próximos proyectos y nos da su opinión sobre ARCOmadrid 2012.

Entrevista a Han Nefkens (Premio al Coleccionismo Internacional)

Descripción: Nefkens cuenta cómo ve el panorama internacional del coleccionismo debido a la crisis y da su visión de ARCOmadrid 2012.

Entrevista al artista y creador Dionisio González

Descripción: este artista cuenta cuáles son los proyectos y trabajos que ha traído a ARCOmadrid 2012, y cómo ve esta nueva edición de la feria madrileña

Entrevista a Borja Baselga (director Fundación Banco Santander)

Descripción: Baselga nos cuenta cuál es su reacción al haber recibido el Premio 'A' al coleccionismo, y nos da su opinión sobre ARCOmadrid 2012

Entrevista a Chema de Francisco (director de Estampa)

Descripción: Chema de Francisco cuenta qué le parece esta nueva edición de ARCO y hace balance de cómo están las ferias de arte actualmente en España

Entrevista a Agustín Pérez Rubio (director del MUSAC)

Descripción: Pérez Rubio nos cuenta cuáles son los proyectos y exposiciones actuales y programados en la agenda del MUSAC, y nos da su opinión sobre ARCOmadrid 2012.

# 7: Resultados

Todavía he leído pocos artículos, textos o entrevistas sobre cuales han sido los resultados de la feria Arco. Sin embargo, ya podéis conocer alguna información a través de los siguientes artículos:

Las galerias muestran satisfacción y optimismo ante los resultados de las jornadas profesionales de Arco, La Vanguardia (18/02/2012)
ArcoMadrid 2012 cierra sus puertas con optimismo realista y cifras satisfactorias, Antena3.com (19/02/2012)
Arco cierra sus puertas con un triste balance, El Pais Pais Vasco (19/02/2012)

El proyecto "Bodies in Urban Spaces", de Willi Dorner

2012-02-16T23:44:00.003+01:00

Gracias a una conversación con unos amigos, me he acordado de un proyecto organizado hace ya unos años por el coreógrafo austriaco Willi Dorner en colaboración con la fotógrafa Lisa Rastl. Dicho proyecto se llamaba Bodies in Urban Spaces y pretendía hacer reflexionar a los ciudadanos sobre la relación entre el cuerpo humano y los diversos espacios de las ciudades.

Dicha iniciativa consistía en que unos contorsionistas y bailarines se adaptaran a las formas "incompletas" de las ciudades: vestidos con ropas de colores llamativos, sus cuerpos se doblaban de forma sorprendente hasta llegar a convertirse en parte del mobiliario urbano, de las fachadas o de los parques. Los cuerpos se transformaban en parte viva de la arquitectura, se convertían en esculturas humanas en espacios urbanos.

Dicho proyecto se presentó por primera vez en el año 2007 en el Festival Paris Quartier d’Été. Desde entonces, ha sido organizado en diferentes ciudades europeas y norteamericanas y ha formado parte de la programación de festivales como Springdance NL, Kampnagel Hamburg, Philadelphia Live Arts Festival, Dansenshus Stockholm, Madrid En Danza, Dance Umbrella London o Tanz in Berlin.

Para que disfrutéis de esta iniciativa, os presento aquí unas cuantas fotografías...

Para que veáis el proyecto en movimiento, os dejo además varios vídeos que muestran distintas "performances" organizadas en diversas ciudades o festivales.

También os presento unos vídeos en los cuales se muestran como se realizaban las audiciones para elegir a los contorsionistas o bailarines para cada acción.

Por ultimo, termino este post con una entrevista realizada al coreógrafo Willi Dorner. De esta forma, podéis escuchar de primera mano la historia de este proyecto.

Revista S Moda: las grandes del arte hablan de moda

2012-02-15T11:28:00.002+01:00

Aprovechando que se inauguran varias ferias de arte en Madrid, la revista S Moda ha querido reunir a un amplio número de galeristas, comisarias, creadoras y gestoras culturales con la intención de analizar las ultimas tendencias de la moda inspiradas en obras de arte y corrientes pictóricas. Como esta iniciativa me ha parecido muy interesante, no he querido dejar pasar la oportunidad de difundirla!

Aquí os dejo un video en el que se muestra una sesión de fotos en la cual personajes como Juana de Aizpuru, Helga de Alvear, Tania Pardo, Olivia Arauna o Cristina Lucas posan como modelos mientras reflexionan sobre la moda y el arte.

Además, os aconsejo leer un artículo llamado "Arte parece, moda es" que se publicó el pasado 11 de febrero en la edición on-line de la revista S Moda. Disfrutad!

Entrevista a ... Lara Costafreda

2012-02-13T23:29:00.004+01:00

Lara Costafreda es una joven ilustradora y diseñadora de moda de tan solo 23 años. Comenzó sus estudios de moda en el año 2006 en la escuela BAU de Barcelona y poco a poco su interés por el sector fue creciendo. Tras un tiempo en la capital catalana decidió transladarse a Londres para continuar su formación en las escuelas Central Saint Matins y Royal College. Fue allí donde, con tan solo 18 años, trabajo con Loannisdimitrousis colaborando con su desfile para la London Fashion Week.

De vuelta a Barcelona, trabajo con Cardona Bonache en Barcelona Fashion Week y Paris Fashion Week. Poco después emigró a Rio de Janerio, Brasil, donde vivió un año. Durante ese tiempo estudió Bellas Artes y Diseño Grafico en la escuela PUC-Rio y trabajo como diseñadora textil e ilustradora para varias marcas de ropa.

Actualmente esta bastante centrada en su trabajo como ilustradora y sus dibujos se publican en varias revistas de arte, moda y diseño, especialmente en Capaccio Magazine.

Como me gustan mucho sus obras, no he querido pasar la oportunidad de realizar una pequeña entrevista a esta gran artista. Espero que disfrutéis!

Para empezar, nos gustaría saber de dónde vienes y cuándo empezaste a interesarte por el arte.

Primero de todo, gracias por esta entrevista y por creer y difundir el trabajo de la gente joven!

Mi nombre es Lara Costafreda. Me crié en un pueblecito cerca de Lleida, Llardecans, y a los 16 años, supongo que por casualidad vocacional, me fui a vivir a Barcelona. Fue ahí donde estudié diseño de moda y empecé a estar en contacto con el arte, el diseño y la moda en general.

Tu carrera esta enfocada al mundo de la moda y la ilustración: ¿por qué elegiste estos sectores como medio de expresión?

Creo que nunca los elegí, simplemente el tiempo me llevó hacia ellos…

¿Es fácil vivir de la moda y la ilustración siendo tan joven?

Bueno…no es fácil, ni de joven ni de viejo supongo! Hay que encontrar tu hueco en el mercado, estar abierto a cualquier tipo de colaboración y/o proyecto y trabajar gratis muchas veces…. hay que estar ahí, tozudo en el día a día para que cuando llegue el momento no te pille desentrenado…

En relación con la moda, muchos consideran que este sector no es arte a pesar de todo el proceso creativo que lleva detrás. El mismo Yves Saint-Laurent decía que “la moda no es un arte, pero para dedicarse a ella hay que ser un artista”. Es un eterno debate pero ¿crees que la moda debe ser considerado arte?

Yves Saint Laurent tenía, sin duda, mucha razón con sus palabras. Yo me pregunto dónde esta esa frontera. Yo creo en que hay momentos en los que el arte puede utilizar la moda como medio de expresión. Esos momentos son los que me gustan.

En cuanto a la ilustración, tienes un estilo sencillo pero impactante: ¿cómo lo definirías?

Mis musas son simples, imperfectas, delineadas, continuas, grotescamente reales, curiosamente apáticas…

A la hora de trabajar, ¿qué creadores admiras y cuales te influyen más?

Colaborar con Carpaccio Magazine me abrió la mente. Descubrí gente maravillosa de lugares impronunciables y con nombres imposibles de recordar…creo que desde entonces empecé a admirar nombres que no puedo recordar.

¿Qué otras cosas te inspiran cuando creas?

Decía Picasso “que la inspiración te pille trabajando”…mi inspiración es un poco así.

Entre los trabajos que has hecho, ¿de qué proyectos te sientes más orgullosa?

Más que trabajos diría que hay momentos especiales en la vida de uno: el proyecto final de carrera por ejemplo, las fotos con Eudes de Santana… fueron el final de una etapa muy buena y el principio de otra muy importante que me llevaba a Brasil.

¿En que proyecto estas trabajando ahora?

¡En muchos! Uno importante es la creación de una plataforma on-line de venta y difusión de trabajos de diseñadores e artistas emergentes a través de camisetas.

También con Atem Books tenemos entre manos aplicaciones muy interesantes para iPhone y iPad…

Naciste en Lleida pero has vivido en Londres y Brasil. Parece que muchos creadores españoles se van fuera a probar suerte y a aprender. ¿Cómo crees que es el mundo del arte y la creación en nuestro país en comparación con el de otros países?

Bueno, yo me fui buscando experiencias personales que necesitaba. Trabajo hay en todas partes y, sino hay, habrá que inventarlo.

En España hay gente muy, muy buena pero a diferencia de Londres, por ejemplo, no hay un marco social, cultural y institucional que apoye la moda de autor. En Brasil tampoco está este marco, pero en cambio sus empresas son ‘por y para’ Brasil. Exportan y importan poquísimo porque es muy caro y eso hace que el sistema se retroalimente por si solo y haya muchas oportunidades de trabajo para la gente local.

Por otro lado, nos gustaría que respondieras rápidamente a lo siguiente:

Un libro: Kitchen de Banana Yoshimoto

Una película: Mi vida sin mi de Isabel Coixet

Una canción: Estos dias estoy muy Bon Iver

Un diseñador: Maison Martin Margiela con Margiela

Un ilustrador: Egon Schiele por ejemplo

Por ultimo, ya que esta entrevista se publica en un blog online, nos gustaría saber cuál es tu opinión sobre la relación entre el arte y las nuevas tecnologías: ¿qué ventajas y desventajas crees que ofrecen las nuevas tecnologías y las redes sociales a la hora de promocionar, enseñar y divulgar arte? ¿Crees que Internet perjudica o ayuda al creador?

Un artista de vanguardia tiene que saber de redes sociales, de blogs, de nuevas fuentes de difusión. Recuerdo un comentario de cuando era más pequeña que decía algo así como “ser muy buen pintor en tu casa y trabajar de abogado en tu vida”. Si quieres dedicarte a esto, tienes que estar ahí, difundiendo tus pequeñas cosas porque esos ‘me gusta’ de Facebook un día te darán un muy buen trabajo.

Si os ha gustado la entrevista y queréis saber más sobre Lara Costafreda, os recomiendo que visitéis su página web.

Gran Canaria CómicFest 2012

2012-02-09T14:16:00.002+01:00

El espacio cultural Gran Canaria Espacio Digital, gestionado por el Cabildo grancanario, ha organizado un festival sobre cómic e ilustración llamado Gran Canaria CómicFest 2012. Dicho evento, que abrió sus puertas el pasado 31 de enero y terminará el próximo 15 de marzo, esta consiguiendo reunir a un amplio número de artistas y aficionados canarios cuyo objetivo es el siguiente:

"Promocionar las obras de los artistas canarios y promover la divulgación y el conocimiento de todo lo relacionado con el mundo de la historieta y su amplio abanico de posibilidades: artísticas, comunicativas y didácticas."

Para el festival, se ha organizado un amplio programa con numerosas actividades relacionadas con el mundo de la historieta y la ilustración. Dicho programa incluye varias exposiciones, muestras, proyecciones de películas de superhéroes, talleres de iniciación o conferencias entre otras propuestas.

Desgraciadamente yo no podré asistir a ninguna de las actividades del festival porque Gran Canaria me queda un poco lejos. Aun así, espero que todos aquellos que viváis en la isla podáis visitar el festival porque parece una iniciativa muy interesante. Si os animáis, os recomiendo que visitéis primero la página web del evento (www.grancanariacomicfest.com) en donde podéis encontrar el programa completo y leer más información.

Homenaje a Antoni Tápies

2012-02-07T10:06:00.001+01:00

Antoni Tápies no necesita presentación: muchos ya sabemos que este pintor, escultor y teórico del arte español ha sido uno de los principales exponentes a nivel mundial del informalismo además de uno de los más destacados artistas españoles del siglo XX. Desgraciadamente murió ayer con 88 años en su ciudad natal, Barcelona. Como homenaje, Art Gossips publica un reportaje que se emitió hace años en la cadena de televisión LOCALIA con la intención de recordar a esta gran figura del sector artístico de nuestro país.

Reportaje 1/3:

Reportaje 2/3:

Reportaje 3/3:

“La obra de Antoni Tàpies está dentro de la tradición de estas explosiones que de tiempo en tiempo se producen en nuestro país y que conmueven tantas cosas muertas. Es auténticamente barcelonesa con irradiación universal. Por esto merece toda mi admiración”.

Joan Miró

Entrevista a.... la galerista Sabrina Amrani

2012-02-05T20:06:00.002+01:00

En junio del 2011 Sabrina Amrani, francesa de origen argelino, inauguró una nueva galería de arte en el barrio madrileño de Malasaña. Con este nuevo espacio que lleva su nombre, esta socióloga de formación pretende, ante todo, presentar proyectos que "inviten a la reflexión sobre el propio individuo, la sociedad o el espacio" (ver página web).

Con la intención de ayudar a difundir el trabajo de esta galería, Art Gossips publica hoy una entrevista a Sabrina. Espero que os guste!

Para empezar y ponernos en situación, cuéntanos un poco cuando empezaste a interesarte por el arte y qué es lo que te empujó a trabajar en este sector.

Desde muy pequeña ya tenía una estrecha relación con el arte y siempre he estado vinculada a él de alguna manera, en ocasiones simplemente como mera espectadora.

Descubrí con unos 10 años una obra del artista Piero Manzoni, ‘Merda d’Artista’. Es mi primer recuerdo de arte contemporáneo. Me pareció genial la idea del objeto en sí, y que fuera además comercial. Fue la vuelta de tuerca a Duchamp, una mofa al mundo del arte como han hecho tantos otros, desde Orwell hasta Banksy.

Inauguraste la Galería Sabrina Amrani el pasado mes de junio, ¿de donde surgió la idea de abrir un espacio como este?

Abrir una galería de arte siempre ha sido mi sueño, que finalmente he convertido en realidad, con mucho trabajo y esfuerzos que aún a día de hoy continúo realizando. La idea parte de convertir una pasión personal en trabajo del día a día; me parece la mejor de las motivaciones para levantarse por las mañanas e ir a trabajar con una sonrisa en la cara.

Nuestra idea de galería además tiene mucho que ver con el deseo de fomentar y acompañar al coleccionismo privado emergente, difundir la obra de artistas poco visibles en España y crear un espacio de diálogo.

¿No te pareció arriesgado abrir esta galería en un momento de crisis como el de ahora?

Por supuesto. Aunque abrir un negocio, sea del tipo que sea, siempre es arriesgado.

En mi caso, vi la crisis más como una oportunidad que como una barrera. Creo en el pensamiento positivo, en la paciencia, el tesón y el trabajo duro. Con estos ingredientes y con los grandes artistas que están uniéndose a nuestro proyecto, esperamos no sólo superar la crisis sino establecernos en el panorama internacional del arte.

Y por curiosidad, ¿por qué decidiste abrir una galería de arte en Madrid en vez de en otras ciudades con mercados más potentes como Londres?

La elección de Madrid no es arbitraria. Por un lado en España, a diferencia de Inglaterra, Francia y otras ciudades con mercados más potentes, existe un coleccionismo emergente que necesita tutelaje y orientación. Por otro lado, teniendo en cuenta que damos una especial atención a artistas de Oriente Medio y Norte de África, España es y ha sido la puerta a Europa para estos países, que además tienen una estrecha relación emocional con la región (Al-Andalus).

Además, la primera vez que vine a Madrid me enamoré de esta ciudad. Y en ella también encontré el amor de mi vida. Le debo mucho a esta ciudad y quiero devolvérselo con lo que mejor se hacer: compartir, presentar nuevas voces y miradas en el mundo del arte.

Ya que la galería esta en Madrid, nos gustaría saber cual es tu opinión sobre el panorama artístico en esta ciudad y, en general, en todo el país.

Me fascina la cantidad de iniciativas individuales en una ciudad como Madrid, pasan muchas cosas con muy pocos recursos. También pasan grandes cosas y es la mayor pinacoteca del mundo.

Por otro lado, me preocupa la visión que el público en general tiene de las galerías. En España tenemos records de asistencia de público a grandes museos y ferias como ARCO y sin embargo las galerías están vacías. Hay que ayudar a estas personas a quitarse de encima el temor a entrar en galerías de arte. No cobramos por entrar ni saltamos sobre los visitantes con la intención de vender a toda costa. Para mi son espacios expositivos, como lo pueden ser museos o centros de arte, con la diferencia de que al terminar de ver la exposición puedes comprar una pieza y llevártela a casa. Pero una galería de arte no es sólo una “tienda” de arte; es un lugar de encuentro para artistas, amantes del arte, vecinos, amigos, coleccionistas y profesionales. También son centros de producción y difusión de arte y cultura en general. Creo que su papel en el mundo de la cultura, no está bien entendido todavía en España.

Además, ¿cómo crees que está el mercado de arte contemporáneo en España?

En España, y en el mundo, estamos viviendo una recesión económica sin precedentes que por supuesto afecta a todos los sectores, incluido el de la cultura y el arte. Todos los mercados se están comportando de manera similar, la inversión se ha contraído y predomina la desconfianza y el miedo.

Esto significa que muchos coleccionistas privados han congelado prácticamente sus compras, a la espera de que pase el vendaval, y las instituciones públicas están sufriendo todo tipo de recortes, por lo que sus presupuestos para adquisiciones han disminuido sustancialmente. El panorama es de alguna manera desolador. Por eso ha llegado la hora de armarse de positivismo y nuevas propuestas y salir ahí fuera para estimular el mercado desde todos los frentes que sean posibles. Nosotros humildemente estamos poniendo nuestro granito de arena, pero es necesaria una revisión y reforma importante del sistema, que incluya una Ley de Mecenazgo fuerte entre otras iniciativas, así como un IVA más interesante para la compra de arte en España.

Más en relación con tu galería, hemos podido leer en su página web que quieres prestar especial atención al panorama artístico del norte de África y de Oriente Medio. ¿Por qué estas zonas?

Porque es parte de lo que soy, francesa y argelina, y porque el arte que se está gestando por esos artistas en esas partes del mundo nos aporta algo nuevo. En Occidente, ya estamos preparados para escuchar, ver y entender lo que estos artistas nos proponen.

¿Qué artistas representa tu espacio en estos momentos?

Al ser una galería tan nueva, todavía estamos construyendo nuestra cuadrilla de artistas. Es un proceso que no es inmediato, lleva su tiempo construir una lista coherente y que sea más una familia que un conjunto de artistas seleccionados por hacer más fácil las ventas. En estos momentos, representamos a Younes Baba-Ali, artista marroquí interesado por el arte sonoro y el vídeo; Elvire Bonduelle, artista francesa que desarrolla su obra en torno al concepto de felicidad; Zoulikha Bouabdellah, artista argelina con mejor proyección en el mundo árabe; Waqas Khan, miniaturista pakistaní que sorprenderá a muchos, y UBIK, artista indio afincado en Dubai con una fuerte carga de denuncia en su obra.

En cuanto a las exposiciones, hasta el pasado mes de noviembre se exponía en la galería la exposición “Pour Faire Joli” con obras de la artista Elvire Bonduelle. ¿Nos puedes hablar sobre esta exposición?

‘Pour faire joli’ ha sido una exposición maravillosa, en la que hemos contado con dibujos, instalaciones, objetos como joyas o platos y fotografías de Elvire.

Además, ‘Pour faire joli’ ha sido un proyecto más allá de una exposición en nuestro espacio. En colaboración con EL PAÍS, se imprimieron 3.000 copias de una de las obras presentadas en la exposición que consistía en una edición única que Elvire fabricó, con ayuda de siete asistentes que se ocupaban de cada uno de los días de la semana, a partir sólo de noticias positivas extraídas de EL PAÍS durante tres meses. Estas copias se entregaron a los viandantes en una performance que la propia artista realizó en las Plazas de Callao, Sol y Atocha en Madrid.

¿Cuál es el próximo proyecto que se inaugurará en la galería?

Hasta el 18 de Febrero tenemos una muestra del artista marroquí Younes Baba-ali, y después estrenaremos la primera colectiva de la galería: “Cuerpos”, participando en el Festival Miradas de Mujeres. Presentaremos trabajos de tres artistas mujeres destacadas del Norte de África.

Mirando el sector galerístico en España, ¿qué otras galerías españolas te interesan?

Muchas galerías me interesan, soy publico de galería desde hace ya muchos años, y sigo asistiendo a inauguraciones en otros espacios.

Miro mucho también fuera de España. Hay galerías en París, Dubai y Londres, que son muy interesantes también.

Además, ¿cómo ves la relación entre las galerías en nuestro país? ¿Sientes que el sector galeristico esta cohesionado? ¿Has notado el apoyo de otras galerías en el momento de inaugurar tu espacio?

El recorrido de la galería es muy corto para poder contestar, pero de la misma manera que voy visitando y presentándome a otros galeristas, poco a poco, otros galeristas se acercan a conocernos. Y nos son avariciosos en sus consejos. Además muchos galeristas somos también coleccionistas, y no compramos sólo en nuestros espacios.

Por otro lado, ya has participado en ferias de arte como Top TwentyFive Art Fair. ¿Por qué crees que es importante las ferias para la actividad de una galería?

En mi opinión, las ferias de arte no son sólo importantes sino vitales para galerías de arte como la nuestra, que tiene mucho recorrido por delante. Es una forma muy interesante de interacción: a la vez que convives durante unos días con profesionales del sector de manera muy cercana, interactúas con coleccionistas y con el público en general. Da visibilidad, crea contactos a todos los niveles, y por supuesto es una plataforma de exposición y venta, que generalmente funciona bien. Este año al menos participaremos en dos ferias: JustMad3 y la segunda edición de Top TwentyFive en Casablanca.

Para terminar, ¿qué artistas actuales te interesan y nos recomendarías seguir?

Hay multitud de artistas que me interesan. Pero recomiendo tener un ojo puesto sobre el arte contemporáneo árabe. Tiene mucho que ofrecer. Los mercados inglés y francés ya han sabido incorporar con éxito el nuevo arte árabe. No podemos hablar de gran coleccionismo hoy en día sin considerar la adquisición de obra de artistas como Kader Attia, Yazid Oulab, Abdulnasser Gharem, Mounir Fatmi, Adel Abdessemed, …

Galería Sabrina Amrani

Calle de Madera, 23

28004 Madrid

Tel. 91 781 10 30

www.sabrinaamrani.com

Tres cortometrajes de Mar Delgado y Esaú Dharma

2012-01-31T13:41:00.002+01:00

Mar Delgado y Esaú Dharma son unos artistas con una formación algo diferente: mientras ella estudió ilustración y diseño, él optó por la animación y la fotografía. A pesar de sus diferencias, decidieron unir sus talentos hace un tiempo y trabajar juntos. Gracias a ello, han realizado conjuntamente numerosos cortometrajes, muchos de los cuales han recibido varios premios.

Yo conocí su trabajo el año pasado gracias al festival Notodofilmfest y, desde entonces, les he estado siguiendo la pista porque me gustan bastante sus obras. Por ello, he querido difundir un poco su trabajo: aquí os presento tres de los cortometrajes que han realizado en el ultimo año.

CORTO #1: ¿Por qué desaparecieron los dinosaurios?

Duración: 3 minutos

Género: fantástico

CORTO #2: Psicokillers

Duración: 3.30 minutos

Género: fantástico

CORTO #3: Balada triste de cortometrajista

Duración: 2.30 minutos

Género: animación y comedia

Si queréis ver más cortos de esta pareja, os recomiendo que visitéis la página web de la productora Nivel 9, que ellos mismos han creado. Disfrutad!

Bruce Gilden y sus fotografías callejeras

2012-01-27T13:26:00.001+01:00

Bruce Gilden es un artista neoyorquino que es bastante conocido por sus fotografías callejeras. Numerosos especialistas han alabado la calidad gráfica de sus imágenes y su estilo teatral aunque muchos han criticado su método de trabajo, que es algo excéntrico.

Gilden nació en 1946 en Nueva York y pasó gran parte de su infancia en Brooklyn, donde desarrolló un buen ojo para observar los comportamientos y las costumbres urbanas. Comenzó a estudiar sociología en la Universidad estatal de Pensilvania y, en 1968, decidió comprar su primera cámara fotográfica después de ver la película Blow-up de Michelangelo Antonioni. Tras comprarse la cámara, se apuntó a clases nocturnas en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York y, aunque en ella aprendió nociones básicas, su formación fotográfica ha sido básicamente autodidacta.

Su curiosidad por la vida callejera viene de niño, cuando pasaba horas estudiando la actividad que tenía lugar en las calles. Esa curiosidad fue creciendo y desembocó en su primer gran proyecto personal, que realizó en los años ochenta y se basó en la vida de la legendaria playa neoyorquina de Coney Island. Desde entonces ha realizado numerosos proyectos sobre la vida y los habitantes de Nueva York, Haití, Francia, Irlanda, India o Japón.

Hace unos años le preguntaron por qué hacía fotografías y Gilden respondió:

“Yo hago fotografías porque eso es lo que hago. Te podría decir alguna respuesta fantástica que suene bastante bien, pero está en mis entrañas. Si me hubiese visto obligado a hacer otra cosa, creo que podría hacerlo. Pero yo soy un apasionado de la fotografía y siento que no tengo otra opción. Usted puede elegir si desea verlas o no. Quiero decir, mi formación fue en la clase media y estuvo bien, pero fue difícil emocionalmente para mí. La mayoría de las cosas que aprendí, me enteré de una manera secreta – escuchando conversaciones entre mi madre y mi padre o lo que sea. Así que supongo que he estado siempre en sintonía con mirar. La fotografía es un medio de voyeur, como mirar por las ventanas de otras personas por la noche… no soy Tom espiando, pero si estoy caminando por la calle – ves las luces encendidas y las estanterías de libros hermosos y la gente que bebe martinis – Me gusta mirar. Así que traduzco eso en la toma de fotografías. Me da algo que hacer… No importa a dónde vaya en el mundo, voy específicamente a tomar fotografías. No tomo vacaciones.”

Publicado en el blog Y mientras tanto.

Muchos de sus trabajos suelen ser retratos de los habitantes que viven en los lugares que visita. Aunque los resultados son sorprendentes, el método que utiliza para realizar sus fotografías suele ser bastante irrespetuoso: cuando pasea por la calle, asusta a los caminantes y les corta el paso para realizarles retratos sin avisar muy de cerca y con flashes potentes. Emilio Hernandez, por ejemplo, explica en el blog Foto 36:

"Su manera de fotografiar es como mínimo irrespetuosa con todos aquellos a los que retrata. Asusta, corta el paso, molesta e incluso se permite la desfachatez de recriminar a los pocos que sonríen en el momento de ser fotografiados."

A pesar de lo irrespetuoso que puede ser su método, si que es verdad que algunas de sus imágenes son muy interesantes. Gracias a eso, muchos de sus trabajos forman parte de colecciones importantes, entre ellas el MoMa y el Museo de Arte de Brooklyn; el Museo Victoria and Albert de Londres; el Museo de Bellas Artes de Houston; el Museo Metropolitano de Fotografia de Tokio; la Biblioteca Nacional de Francia en París; la Real Sociedad Fotográfica de Bath; y la Galería Nacional de Canadá en Ottawa.

Para que conozcáis más a este fotógrafo, os dejo aquí un par de vídeos que os aconsejo ver.

VIDEO #1:

En este video, se ve como este artista realiza una sesión fotográfica en las calles de Nueva York....sorprendente. No entiendo como no tiene más problemas con la gente a la que retrata.

Título: Street shots with Bruce Gilden.

Año: 2009.

Subido a youtube.com por madshaunyboy.

VIDEO #2:

En este video, se muestra una pequeña entrevista realizada a Gilden.

Título: a short interview with Bruce Gilden.

Año: 2009.

Subido a youtube.com por HPGraphicArt

Espero vuestras opiniones!

Campaña contra la intolerancia y el racismo

2012-01-25T12:59:00.002+01:00

El Ojo Cojo es una ONG dedicada a promover, a través del arte, el dialogo intercultural y la integración de grupos socialmente excluidos. Con este objetivo, esta organización trabaja junto con un colectivo multidisciplinar de artistas, gestores culturales, comunicadores, mediadores, estudiosos y estudiantes que aportan, cada uno de ellos, su grano de arena.

Esta organización acaba de presentar un video muy sencillo pero muy bueno con la intención de promover una campaña contra la intolerancia y el racismo. Espero que os guste!

Título: Campaña a favor de la tolerancia.

Año: 2012

Subido a youtube.com por Elojocojo

Cuatro conferencias sobre diseño

2012-01-25T00:38:00.001+01:00

Para muchos, el diseño es todavía una disciplina secundaria y poco valorada respecto a otras artes. Sin embargo, desde este blog se ha querido homenajear a esta disciplina debido a su importancia en nuestro día a día y a su influencia artística en otros campos.

Para homenajear a este sector, os presento aquí una serie de vídeos en los cuales se muestran unas conferencias realizadas por diversos profesionales del diseño: Philippe Stark, Don Norman, Paola Antonelli y Tim Brown. Espero que os gusten!

PHILIPPE STARK

Phillipe Stark es un diseñador industrial francés reconocido mundialmente por la funcionalidad de sus diseños y la estética de los mismos. Gracias a su trabajo, ha ganado numerosos premios como el Oscar du luminaire en 1999, el Interior Architecture Award en 1990 o el Grand Prix National de la création industrielle en 1988.

En este video que dura 18 minutos, Stark analiza las raíces de la pregunta ¿Por qué diseñar?

Título: Philippe Starck - why design?

Idioma: inglés.

Subido a youtube.com por TEDtalksDirector.

DON NORMAN

Donald A. Norman es profesor emérito de ciencia cognitiva en la University of California, San Diego, y profesor de Ciencias de la Computación en la Northwestern University. Hoy en día trabaja principalmente con la ciencia cognitiva en el dominio de la ingeniería de la usabilidad. Desde hace años, esta muy interesado en el diseño y valora el papel de la belleza, de la diversión, el placer y la emoción en los diseños que hoy en día hacen feliz a la gente.

En esta conferencia realizada en el año 2003, Norman enfatiza los tres niveles emocionales que un producto debe alcanzar para que éste sea exitoso.

Título: Don Norman - three ways that good design makes you happy.

Idioma: inglés.

Subido a youtube.com por TEDtalksDirector.

PAOLA ANTONELLI

Paola Antonelli es comisaria de arquitectura y diseño del Museo de Arte Moderno de Nueva York y ha realizado numerosas exposiciones reconocidas a nivel mundial como Mutant Materials in Contemporary Design (1995), Contemporary design from the Netherlands (1996), Achille Castiglioni: design! (1997-98) o Open Ends and Matter (2000-2001) entre otras. Además, a lo largo de su carrera ha colaborado con numerosas revistas especializadas tipo Metropolis, The Harvard Design Review, I.D.Magazine o Harper´s Bazaar y ha realizado numerosas conferencias por todo el mundo.

A través de esta conferencia, Paola Antonelli desea divulgar su apreciación por el diseño - de todas formas y maneras - alrededor del mundo.

Título: Paola Antonelli treating design as art.

Idioma: inglés.

Subido a youtube.com por TEDtalksDirector

TIM BROWN

Tim Brown es presidente de la firma de diseño e innovación IDEO, empresa cuya misión es fusionar diseño, negocio y estudios sociales.

En este video, Brown dice que la profesión del diseño está preocupada por crear objetos divertidos y de moda mientras que preguntas urgentes, como el acceso de agua potable, demuestran que tiene un papel más grande que desempeñar. Pide un cambio a un "pensamiento del diseño" local, colaborativo y participativo.

Título: Tim Brown urges designers to think big.

Idioma: inglés.

Subido a youtube.com por TEDtalksDirector.

Intervención de Paupac Azul en una peluquería

2012-01-22T11:06:00.000+01:00

Paupac Azul es un colectivo artístico formado por dos personas, Paula Susaeta y Paco Trinidad. Ambos decidieron unirse y crear este colectivo hace un tiempo pero, ¿por qué? Ellos mismos contestan a la pregunta en su página web:

"Paupac Azul nace de la necesidad de contar historias, para mostrar un punto de vista y un poco de brillo que nos recuerde lo hermoso que es sentirnos vivos. Un pálpito, la rabia, las ganas, la desilusión: paupac azul está hecho para agitar".

Para realizar sus trabajos, utilizan diversos elementos como la palabra, la música o la imagen. Con ellos, crean obras audiovisuales en las que cuentan pequeñas historias que hacen reflexionar y emocionan. Ellos mismos cuentan que:

Paupac azul "comenzó siendo una especie de podcast en la línea del spoken word. En la actualidad el audio no basta, la música ha ganado en relevancia convirtiéndose en un interlocutor del texto, y ha sido necesario añadir la imagen para poder contar bien estas historias: la imagen aparece en forma de vídeo, fotografía, collage, o lienzo. Pero los audios siguen disponibles en la web a solas (...)".

Sin embargo, su trabajo va más allá de simples obras audiovisuales que cuelgan en la página web del colectivo. De hecho, Paupac Azul también realiza numerosas acciones e intervenciones artísticas en espacios físicos como pizzerías, bares o peluquerías. Su próxima intervención, en colaboración con Nicolas Villamizar, se realizará la próxima semana: convertirán la peluquería CORTA CABEZA en un "espacio con arte dentro".

Si quereís asistir y disfrutar de esta exposición en un lugar diferente, el equipo de Paupac Azul os espera el día 26 de enero a las 21.00 horas en la Calle Corredera Baja de San Pablo 47 (Madrid).

ARTE FIERA 2012

2012-01-20T13:53:00.003+01:00

La feria de arte Arte Fiera es un evento que se organiza anualmente en la ciudad de Bolonia (Italia). Nació en los años setenta y, desde entonces, se ha esforzado continuamente por promover arte tanto italiano como internacional realizado desde comienzos del siglo XX hasta nuestros días. Gracias a ese esfuerzo, se ha convertido en una de las ferias de arte contemporáneo y moderno más importantes de Italia.

La próxima semana se celebrará la nueva edición de esta feria y, para todos aquellos que quieran asistir, os dejo aquí algunos datos interesantes:

Cuando: del 27 al 30 de enero del 2012.

Donde: Bologna Exhibition Center (Bolonia, Italia).

Horario de apertura:

Del viernes 27 al domingo 29 de 11 a 19.00 h / el lunes 30 de 11.00 a 17.00 h.

Tickets:

Ticket diario: 20 euros / Pase por cuatro días: 35 euros.

Catalogo:

Puede conseguirse a través de home@renografica.it y cuesta 37 euros.

Para más información:

Visitar la página web de la feria.

Sin embargo, no debemos pensar que esta feria es solo un "mercadillo" en el que se venden obras de arte. De hecho, todos los años esta feria organiza un gran numero de eventos, presentaciones o visitas guiadas dentro del recinto donde se muestran los stands de las galerías con la intención de mostrar las novedades artísticas a todos los entusiastas y profesionales que visitan el evento (ver programa de este año). Además, el equipo de la feria colabora con numerosas instituciones de Bolonia con el objetivo de organizar otros numerosos eventos por la ciudad durante los días en los que se celebra la feria como Bologna Art First, Art White Night o Arte Fiera Off.

Gracias a todas las actividades y a la feria en si, un gran número de galerías, coleccionistas, comisarios, artistas y amantes del arte provenientes tanto de Italia como del resto del mundo visitaran Bolonia.

Para abriros el apetito, os dejo aquí un video en el cual se presenta la edición del 2012. Disfrutad!

Título del video: Arte Fiera Art First 2012, tra pochi giorni a Bologna.

Año: 2012

Subido a youtube.com por BolognaFiere.

El proyecto La Exposición Expandida en #arteyuncafe

2012-01-18T23:50:00.003+01:00

Arte y un Cafe es una iniciativa promovida por Veo Arte en Todas Partes con la cual se pretende ayudar a reflexionar "sobre los diferentes aspectos y realidades que tienen que ver con el desarrollo y uso del arte en la web 2.0".

Este año se presenta la I Edición de esta iniciativa para la que se ha organizado un encuentro entorno a tres mesas de debate:

Mesa I: La presencia del arte en Internet a través de los diferentes agentes, estado de la cuestión.

Mesa II: El arte en Internet, los perfiles profesionales y las diferentes fórmulas de actuación

Mesa III: Proyectos colaborativos entre bloggers, aunando esfuerzos en redes sociales.

Para reunir el mayor número de experiencias y propuestas, dicho encuentro tendrá una doble naturaleza: online y presencial.

1. Por un lado, habrá un encuentro presencial en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid en la que "culminarán todos los debates iniciados en la web". Dicho evento será el próximo día 17 de febrero.

2. Por otro lado, se ha creado una página web en la que varios ponentes "online" podrán disponer de un espacio virtual (con formato de post) para presentar su ponencia relacionada con los diferentes temas de las mesas. Como se explica en la página web del evento, "bajo sus ponencias cualquier usuario, durante el mes previo al encuentro, podrá agregar sus comentarios, sugerencias o preguntas y generar a partir de ahí un dialogo".

Entre los participantes de este evento estarán las cinco responsables del proyecto La Exposición Expandida, a quienes realice una entrevista hace unas cuantas semanas que se publico en este mismo blog (pinchar aquí). Todas ellas participaran en la Mesa III en la que presentaran su proyecto a todos aquellos interesados.

Como introducción a su ponencia, las cinco responsables han realizado un video de presentación en el que se pueden escuchar diferentes opiniones sobre el proyecto como las de Soledad Gómez, Nuria García, Pilar Gonzalo o Laura Cano. Disfrutad!

La Exposición Expandida from La Exposición Expandida on Vimeo.

La exposición "La persistencia de la geometría" en Caixa Forum Madrid

2012-01-16T02:18:00.004+01:00

En el verano de 2010, la Fundación La Caixa y el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) llegaron a un acuerdo de colaboración para gestionar conjuntamente sus colecciones y, de esa forma, afrontar esta época de crisis en la que nos encontramos. Como resultado de ese acuerdo, ambas instituciones han organizado la exposición La persistencia de la geometría, que se inauguró el pasado mes de diciembre en Caixa Forum de Madrid. Este proyecto es, de hecho, la segunda gran exposición conjunta después de la presentación de ¡Volumen! en el MACBA el pasado mes de noviembre.

En este segundo proyecto, se muestran 96 obras de 31 artistas procedentes de las colecciones de arte contemporáneo de ambas instituciones. Con todas estas obras, la exposición “propone un recorrido por sendas colecciones a partir del uso que de la geometría se ha hecho en la escultura y en la instalación desde los años sesenta hasta nuestros días” (ver nota de prensa). Entre los artistas presentes, nos encontramos nombres destacables como Donald Judd, Bruce Nauman, James Turrell, Robert Smithson, Gordon Matta-Clark, Matt Mullican, Richard Long, Francesc Torres, Àngels Ribé, Jordi Colomer, León Ferrari, Damián Ortega, Rodney Graham, James Lee Byars, David Maljković, José Dávila y Ettore Spalletti, entre otros.

Video titulado "La persistencia de la geometría".

Año: 2011.

Descripción: recorrido por la exposición.

Subido a youtube.com por laCaixatv.

Aprovechando que el otro día estaba cerca de Caixa Forum, decidí acercarme al edificio y ver esta exposición. Es verdad que en un principio estaba con pocas ganas de ir por una razón: en varias exposiciones, ya he visto el trabajo de numerosos artistas que utilizan figuras geométricas de forma radical y, con ellas, crean obras frías y poco atractivas. Pero antes de entrar en la sala, recordé el consejo escrito por Victor Vicino en su blog Intéres Social:

“Cuando uno se adentra en este tipo de Exposiciones debe ir desprovisto de todo tipo de "mochila", aquí no se viene a juzgar ni a esperar formas academicistas; aquí se viene a dejarse imbuir por el espacio, a dar lugar a la sorpresa, a que los sentidos y sensaciones puedan encontrarse con la obra expuesta sin prejuicios”.

Tengo que decir que finalmente la exposición me gusto bastante y, entre todas las obras, destacaría las siguientes:

“The Figure of Question” de James Lee Byars.

Con este trabajo, el artista investiga la esencia de las formas de representación. De hecho, esta obra consiste en tres figuras perfectamente pulidas y hechas en mármol que parecen representar la perfección de la simpleza. Obra muy minimalista pero con mucha potencia.

"Afrum red" de James Turrell.

Es una enigmática instalación que experimenta con la luz y el espacio: en una sala silenciosa y oscura, un proyector emite luz de color rojo sobre una de las esquinas de la habitación creando una forma ilusoria. Es una obra que, a pesar de su simpleza, invita al espectador a contemplar y a disfrutar del momento.

"Black Stones under Yellow Ligth" de Bruce Nauman.

Al igual que la obra de Turrell, esta instalación también juega con el espacio y los efectos lumínicos: un conjunto de cubos negros forman una cruz en el suelo de una habitación iluminada por una luz amarilla. Muy atrayente.

"Nines Tupes of terrain" de Damián Ortega.

En una sala rectangular bastante grande, hay 9 proyectores que proyectan las imágenes de varios videos en los que los objetos protagonistas son ladrillos. En todos esos vídeos, numerosos ladrillos se mueven, se caen o se golpean entre sí creando un efecto visual y sonoro sorprendente.

Nota: todas las fotos mostradas aquí han sido sacadas por mi.

Para quien quiera ver estas obras (y muchas más), solo deciros que esta exposición permanecerá abierta hasta el 25 de marzo del 2012. Pero si queréis saber más información antes de visitar esta muestra, os aconsejo:

Leer el catalogo de la exposición, al que podéis acceder pinchando AQUÍ.

Ver el siguiente video, en el cual Nimfa Bisbe (comisaría) habla sobre este proyecto expositivo:

Titulo del video: declaraciones de Nimfa Bisbe / Exposición La Persistencia de la Geometría / Obra social "La Caixa".

Año: 2011

Subido a youtube.com por: laCaixatv.

La instalación "The Oliberation Room", de Yayoi Kusama

2012-01-14T21:04:00.003+01:00

Foto de la artista Yayoi Kusama

El pasado 18 de noviembre se inauguró en el Queensland Art Gallery, Australia, la exposición Look Now, See Forever en la cual se muestran un gran número de obras de la artista Yayoi Kusama (Matsumoro, Japón, 1929). Entre todos los trabajos que se presentan, se encuentra una instalación increíble y sorprendente llamada The Oliberation Room.

Para crear esta obra, la japonesa construyó una gran habitación en la cual todas las paredes, muebles y demás decoración estaban pintados de un blanco brillante. Gracias a este color, la habitación y todos los objetos parecían un gran lienzo blanco cuando la exposición comenzó. Con la idea de transformar el espacio, la artista invitó a todos los visitantes del museo a colaborar: todos aquellos que se atrevían a acercarse a la galería recibían pegatinas de colores que podían pegar en cualquier lugar de la habitación. Después de dos semanas, el espacio se convirtió en una autentica explosión de color.

Esta instalación permanecerá abierta hasta el próximo 12 de marzo por lo que todos aquellos que viajen a Australia en los próximos meses podrán disfrutar de ella.

Ciclo de diálogos - "Ocio y cultura en nuestro tiempo: ¿Es Zidane un artista?"

2012-01-13T11:18:00.008+01:00

El narrador, ensayista e historiador francés André Malraux definió nuestra época como “el extraño siglo de los deportes”. Aun así, las actividades físicas, y más concretamente el fútbol, no siempre han recibido buenas críticas. El escrito y periodista mexicano Juan Villoro ya escribió un artículo llamado “El arte y el fútbol” en el que mencionaba lo siguiente:

“Numerosos analistas han dedicado páginas de severidad marcial a criticar las pasiones excesivas, la manipulación de la conducta y el embrutecimiento generalizado que se dan cita en los estadios. Para colmo, el más popular de los deportes se juega con los pies, lo cual se opone a la historia de la evolución. El hombre desciende de un homínido que comía frutas y era incapaz de servirse del pulgar oponible; en consecuencia, una actividad que cancela el uso de las manos semeja un retorno a la barbarie. ¿Cómo es posible que la especie que inventó el sistema decimal, de tanto contarse los dedos, se apasione con un juego donde sólo el portero tiene dispensa para usar las extremidades prohibidas?”

En relación con estas críticas, seguramente muchos de nosotros hayamos oído a alguien decir "el fútbol es veintidós tíos en calzoncillos corriendo detrás de un balón. Y punto" o alguna frase similar. Para un gran número de personas, este deporte es solo una actividad física alejada del planeta de los intelectuales, del mundo de la cultura y del sector artístico. El fútbol, al fin y al cabo, es un juego cuyos aficionados se mueven por las pasiones, no por el intelecto. El mismo Oscar Wilde afirmaba lo siguiente:

“El fútbol será un deporte adecuado para las muchachas robustas, pero no es en absoluto indicado para los muchachos sensibles y delicados”.

Sin embargo, hay que decir que el fútbol y la cultura no siempre han estado alejados. De hecho, la fiebre de este deporte ha inspirado a muchos intelectuales y artistas, quienes han convertido este juego en la pasión de sus vidas e, incluso, en el motivo de sus obras. El propio Villoto, en el artículo previamente mencionado, decía:

“Hasta mediados de siglo pasado, una fuerte presión social impidió que el futbol rebasara los límites del barrio, el descampado, el canallesco arrabal. Sin embargo, a contrapelo de las modas, tuvo cultores privilegiados.

Albert Camus creció en una familia de pobreza extrema y decidió jugar de portero porque en esa posición se gastan menos los zapatos. Años después diría que todo lo que sabía de la ética era obra del futbol, el territo! rio en el que se ignora por dónde saldrá el balón.

En la pintura, Max Beckmann llevó el expresionismo al área chica, Robert Delaunay inmortalizó un lance del “equipo de Cardiff”, Nicolas De Staël creó un paisaje perfectamente abstracto al que por soberano capricho tituló “Los futbolistas”, Pablo Picasso dibujó a tres fantasmones regordetes que flotan en pos de un sol hecho pelota y el mexicano Ángel Zárraga logró una sutil y perturbadora transexualidad con sus mujeres futbolistas.

El cine ha ofrecido churros como El gran escape, donde Pelé comparte créditos con Max Von Sidow, melodramas para llorar entre palomita y palomita (Pelota de trapo), rocambolescos driblings de Resortes y episodios de alta temperatura intelectual como El miedo del portero ante el penalty, de Wim Wenders, basada en la novela de Peter Handke.

Los escritores se dedican, con variada intensidad, a rendir testimonio de lo que miran en el césped: Vinicius de Moraes retrató a Garrincha, Umberto Saba a un equipo sin gloria, Samuel Becket al hombre acorralado, ansioso de que el destino le brinde un “juego de vuelta”, Günter Grass a un arquero en un estadio nocturno, Pier Paolo Pasolini a los que corren en prosa y a los que corren en poesía y Luis Miguel Aguilar a un virtuoso con tan buen toque que se electrocuta”.

Como se ve, el fútbol ha tenido aficionados privilegiados. Pero, ¿se puede teorizar sobre la relación entre este deporte y la cultura? Con la intención de debatir sobre la relación entre ambos sectores, se celebrará el próximo día 23 de enero un coloquio bajo el titulo “Ocio y cultura en nuestro tiempo: ¿es Zidane un artista?” en el Aula Caja Mediterráneo (CAM) de Alicante. En dicho evento, participaran tres personajes fundamentales del mundo deportivo y del sector cultural: Jorge Valdano, Santiago Segurola y Miguel Zugaza. En el folleto en el que se explican las actividades que CAM realizará este mes de enero, se presenta a cada uno de estos tres personajes de la forma siguiente:

MIGUEL ZUGAZA

Licenciado en Historia y Geografía, especializado en Historia del Arte. Con apenas 30 años de edad, obtiene el cargo de director de conservación en el Museo Reina Sofía (1994-1996). En 1996 se le confía la dirección del Museo de Bellas Artes de Bilbao. El éxito del museo bilbaíno hace que sea elegido como director del Museo del Prado, cargo que desempeña desde 2002 hasta la actualidad.

JORGE VALDANO

Ex-futbolista y ex entrenador argentino, con nacionalidad española. Campeón del mundo con Argentina en México´86. Como entrenador desarrolló toda su carrera en España, dirigiendo al CD Tenerife, Real Madrid y Valencia CF. Director general y adjunto al presidente en el Real Madrid. Tras su dimisión de este cargo, alterna sus actividades de formación empresarial y divulgación cultural con la colaboración en diversos medios deportivos.

SANTI SEGUROLA

Es uno de los periodistas deportivos españoles de más renombre. Destaca su trayectoria en el diario El País, donde fue redactor jefe de deportes (1999-2006) y, posteriormente, director de cultura y del suplemento Babelia. En 2007 se incorpora al diario deportivo Marca como adjunto al director. Actualmente colabora en el programa deportivo de Onda Cero, Al Primer Toque, de Ángel Rodríguez. El pasado mes de diciembre fue galardonado con el Premio de Periodismo Vázquez Moltalbán.

Espero que aquellos que estén interesados en el deporte y la cultura puedan asistir. La verdad es que este evento puede ser muy interesante.

CICLO DE DIALOGOS: OCIO Y CULTURA DE NUESTRO TIEMPO

“¿Es Zidane un artista?”

Lunes 23 de enero 2012

Hora: 20 h

Lugar: Aula Caja Mediterráneo (CAM) de Alicante.

Entrada libre, limitada al aforo del local.

París versus New York

2012-01-11T00:44:00.001+01:00

El otro día unos amigos me enseñaron un libro de ilustraciones llamado "París versus New York", en el cual se mostraban las diferencias entre las dos ciudades del título a través de dibujos creados por el diseñador grafico y director de arte francés Vahram Muratyan.

Movida por la curiosidad, hoy he estado buscando en Internet información sobre este ilustrador con la intención de saber más de él. Y la búsqueda ha dado sus frutos: gracias al blog Unidad Expresiva de Iván Manzaneda, he sabido que Muratyan tiene una página web llamada igual que el libro (París versus New York) en el cual muestra las numerosas ilustraciones que ha realizado en los últimos años. Gracias a estos dibujos, se resaltan las diferentes comidas, edificios, paisajes, costumbres, modas o estilismos de ambos lugares.

Nota: todas las imágenes aquí mostradas

han sido sacadas de la página web

"París vs New York".

Como se pueden ver en estas ilustraciones, todos los dibujos de Muratyan se caracterizan por los colores planos y las formas sencillas sobre fondos planos. Y utilizando esa estética muy cercana al estilo pop, el francés suele crear dibujos en los que enfrenta dos imágenes, una de París y otra de Nueva York: como explica Ivan Manzaneda en su blog, "a la parte izquierda se sitúa París, y el estilo elegante francés. A la derecha New York, y su modo de vida americano. En ambos lados se respeta el idioma de cada país, haciendo una referencia textual a la imagen en la esquina superior".

Para terminar, solo informaros de que todas las ilustraciones que Muratyan muestra en su página están a la venta y están disponibles en varios tamaños y precios. Para más información, visitar parisvsnyc.blogspot.com.

El Premio Joven de la UCM 2011

2012-01-10T10:32:00.002+01:00

El Premio Joven es un galardón creado en 1998 por la Universidad Complutense de Madrid y gestionado por La Fundación Complutense con la intención de “promover la investigación, la creatividad, la solidaridad y el respeto de los jóvenes por el medio ambiente”. Con el tiempo, dicho premio se ha convertido en uno de los más importantes a nivel nacional que reconoce la labor de aquellos jóvenes que trabajan duro en su área de conocimiento.

Este año se celebra nada más y nada menos que la decimocuarta edición de este premio, que se dirige a personas de cualquier nacionalidad residentes en nuestro país, con una edad comprendida entre 18 y 35 años. Aquellos interesados que cumplan todas estas condiciones pueden presentarse a las siguientes siete modalidades:

Premio de Economía: pueden presentarse proyectos inéditos y originales que estudien cualquiera de los enfoques de la economía (teóricos, históricos, aplicados, etc…) y se refieran a la economía en general o a la administración y dirección de empresas. Premio: 6.000€

Premio de Comunicación: esta modalidad permite la presentación de un trabajo periodístico, publicado o emitido por cualquier medio de comunicación, proyectos originales e innovadores de investigación, así como estrategias comunicativas adaptadas a las nuevas tecnologías de la información y la comunicación, tanto publicitaria como audiovisual. Premio: 6.000€

Premio de Sostenibilidad y Medio Ambiente: podrán presentarse trabajos originales e inéditos, que versen sobre cualquiera de los enfoques tanto del paradigma de la Sostenibilidad, como del Desarrollo Sostenible y Medio Ambiente, pudiendo realizarse con carácter multidisciplinar. Premio: 6.000€

Premio de Solidaridad y Derechos Humanos: puede participar cualquier joven u organización juvenil valorandose su trabajo en favor de los sectores sociales más desfavorecidos y vulnerables de España o de los países menos desarrollados. Premio: 6.000€

Premio de Narrativa: se aceptarán novelas originales e inéditas escritas en lengua castellana y no premiadas en ningún otro certamen al momento de producirse el fallo de éste. Premio: 3.000€ para el ganador/a y el compromiso de la edición y publicación de la novela, así como la promoción y publicidad de la misma.

Premio de Ciencia y Tecnología: consiste en el reconocimiento de la trayectoria y la labor de jóvenes investigadores que hayan contribuido a enriquecer el conocimiento en el ámbito de las Ciencias Experimentales y de la Salud e Ingenierías y Tecnologías Emergentes. Premio: 6.000€

Premio de Artes Plásticas: podrán optar al Premio cualquier joven o grupo de jóvenes de nacionalidad española o residentes en España que presenten obra de pintura, escultura, dibujo, fotografía o cualquier otra modalidad de lenguaje plástico. Premios: 6.000 € para el primer premio y máximo dos accésit de 2.000 €

El plazo de presentación de trabajos finaliza el próximo 31 de enero de 2012, excepto en la especialidad de Artes Plásticas, cuyo plazo de entrega de obras permanecerá abierto del 30 de enero al 3 de febrero de 2012.

Para leer las bases del concurso, solo tenéis que pinchar en cualquiera de los siguientes links:

Para cualquier duda o consulta relacionada con el Premio Joven podéis:

O bien visitar la página web de la Fundación General Universidad Complutense de Madrid (pinchar aquí).

O bien contactar con la Fundación a través de los siguientes datos de contacto:

Fundación General Universidad Complutense de Madrid 

Área de Cultura - Premio Joven  

C/ Donoso Cortés, 65. 2ª planta. 28015 Madrid 

Tlf: 913946398 

pjoven@rect.ucm.es

La obra "CCTV/Creative Control", de Marcos Zotes

2012-01-09T00:05:00.005+01:00

Buscando por la red, he encontrado información de un festival de arte llamado Nuit Blanche: Bring to Light que se celebrá todos los años en la ciudad de Nueva York. Durante cada edición, dicho festival suele invitar a artistas establecidos y a creadores emergentes para que realicen instalaciones de luz o de sonido, performances, proyecciones u otras obras de arte en el puerto industrial de Greenpoint, Brooklyn. Gracias a estas obras, se transforman calles, parques y otros espacios públicos que suelen ser visitados por un gran número de curiosos.

Durante la edición del año 2011, una de las obras más impactantes fue CCTV/Creative Control. Dicho trabajo es una proyección de video que muestra un ojo de gran tamaño en la superficie inferior de una torre de agua de unos 10 pisos de altura.

Esa torre de agua, que se encuentra en Milton Street, es el elemento más alto de la zona y se ha convertido en todo un símbolo del pasado industrial del vecindario. Con esta intervención temporal, este icono de la ciudad se transformó en una torre de video-vigilancia con la cual se podía reflexionar sobre el excesivo control que sufren los ciudadanos en las urbes.

Título del vídeo: Marcos Zotes - CCTV/Creative Control

Año: 2011

Subido a Youtube.com por Metacitizen

Esta obra fue realizada por Marcos Zotes, un arquitecto y artista español que vive y trabaja en Nueva York. Si quereís conocer más sobre él, os aconsejo visitar su página web: www.metacitizen.com.